Kraftwerk and the Electronic Revolution [2008]

Film de référence sur le développement de la musique électronique. Le réalisateur a fait un effort considérable pour dépeindre le contexte dans lequel la musique électronique est née. Les 55 premières minutes sont consacrées aux pionniers  : Pierre Schaeffer et sa «musique concrète», Popol Vuh, Klaus Schulze, Amon Düül, Stockhausen, the Organization, Tangerine Dream, Can et tout le mouvement Krautrock. Le reste du film est consacré à Kraftwerk. On a droit à une tonne de bonnes musiques et à des images d’archive souvent inédites. On apprend aussi que Kraftwerk a influencé nombre de groupes : de Cabaret Voltaire à Throbbing Gristle en passant par la vague électro pop (Gary Numan, Depeche Mode, Human League…) et jusqu’à Afrika Bambaataa, pionnier du hip hop. Le documentaire omet toutefois d’aborder le côté B de l’album Computer World pourtant fondamental dans le développement de la musique techno et la scène de Détroit. On ne parle pas non plus des albums postérieurs à Computer World. L’analyse est bonne mais on est loin de la rigueur et de la profondeur dont fait preuve Pascal Bussy dans son livre Man, Machine and Music publié en 1993. La structure du documentaire est d’ailleurs calquée sur celle du livre de Bussy. À noter que le seul membre important de Kraftwerk dans le film est Karl Bartos alors que Bussy avait aussi interviewé Ralph Hütter et Florian Schneider, les deux co-fondateurs du groupe. C’est une des raisons pour lesquelles le livre de Bussy demeure LA référence en ce qui a trait à Kraftwerk. Ceci étant dit, il s’agit d’un bon documentaire qui aurait gagné à être plus ramassé, surtout au début.

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Krautrock the Rebirth of German Music [2009]

Excellent documentaire réalisé par la BBC avec les têtes d’affiche du Krautrock : Amon Düül II, Tangerine Dream, Klaus Schulze, Can, Faust, Neu, Kraftwerk… Le film est très bien documenté et les extraits musicaux sont excellents. De nombreuses archives aident à reconstituer le climat gris de l’Allemagne d’après guerre et l’esprit rebelle des ces musiciens qui refusaient de faire ce qui avait déjà été fait. Après la destruction de l’Allemagne Nazie, les Allemands sont à la recherche de leur identité. À partir de la fin des années 1960 et au cours des années 1970, plusieurs groupes de musiciens s’éloignent du son rock et pop anglo saxon et se mettent à expérimenter, notamment avec le synthétiseur, un nouvel instrument dans le paysage musical. Le Krautrock n’aura jamais le succès du rock progressif mais il inspire une myriade de musiciens, dont Iggy Pop : « When you listen to it, it allows your thoughs to flow […] allows emotions to come from within and occupy the active part of your mind […] it allows beauty to get there […] the guys had somehow found a way to free themselves from tiranny of stupid blues, rock, of all conventions I ever heard. » Brian Eno s’intéresse lui-aussi à cette scène et passe un moment avec les musiciens de Neu, deux ex-musiciens de Kraftwerk. Le film se termine sur David Bowie qui enregistre l’album Heroes (titre d’une pièce de Neu) à Berlin avec Eno comme producteur. Le son du krautrock est palpable sur l’album. Fait à remarquer, le narrateur garde un esprit critique sur cette intrusion Britannique : « …released in 77, Heroes was a big hit for David Bowie, but the real heroes we’re the kraut rockers. »

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Synth Britannia [2009]

Documentaire sur la scène électro-pop britannique de la fin 1970, début 1980. Avec The Normal (Daniel Miller), The Human League, OMD, Joy Division, John Foxx, Gary Numan, Visage, Depeche Mode, Heaven 17, Soft Cell, Yazoo, Eurythmics, Ultravox, Pet Shop Boys et New Order. À l’aide d’un montage habile, le réalisateur intègre des groupes industriels —Throbbing Gristle et Cabaret Voltaire— ce qui donne au documentaire une certaine densité tout en élargissant le spectre musical du film. Le groupe allemand Kraftwerk vient lui aussi ponctuer le film. Il faut dire que dès 1977, ce groupe avait établi les balises de l’électro-pop, ce qui explique qu’il soit la principale influence de la plupart de ces groupes Britanniques. Abondamment illustré de films d’archives, le docu fait un parallèle entre les événements sociaux en Angleterre et le développement de la musique. C’est un film qui plaira à tout amateur d’électro-pop mais qui rappelle aussi les limites de cette musique qui a fini par être absorbée par l’industrie. Et c’est sans doute là l’innovation majeure des Anglais. Avoir réussi à pousser cette nouvelle forme musicale dans le mainstream.

Blank City retrace le No Wave, un courant artistique qui a chevauché le punk durant les années 1970 à New York et qui a touché surtout le cinéma et la musique.

À l’aide d’archives et d’entrevues, la réalisatrice réussit à évoquer le climat créatif et l’atmosphère de New York, au bord de la faillite à l’époque. Un grand quadrilatère de Manhattan était laissé à l’abandon et ce fut le terrain d’expérimentation des figures de proue du mouvement. Il faut voir ces images du Lower East Side en ruines et ces wagons de métro couverts de graffitis. Quand on voit ce que New York est devenu, difficile d’imaginer que cette ville ait été laissée dans un tel état.

L’aspect cinématographique est bien couvert avec des entrevues avec Jim Jarmusch, Steve Buscemi, John Waters et d’autres qui ont fait leurs classes dans ce qui allait devenir le cinéma indépendant. Plusieurs extraits rigolos et trash ponctuent le film. Côté musical, on est aussi bien servi avec des entrevues avec James Chance (Contorsion), Lydia Lunch, John Lurie (Lounge Lizards) et d’autres. Tout au long du film, la musique est très bonne. À noter dans le générique de fermeture, Jeff & Jane Hudson, un groupe plus proche du new wave ou de l’alterno que du No Wave, mais bon ça fait quand même plaisir à entendre.

Si la grande prouesse de la réalisatrice est d’avoir réussi à évoquer la scène et le climat d’exubérance créative, le film pêche toutefois par certaines longueurs et des répétitions. Fallait-il vraiment montrer TROIS fois Jean-Michel Basquiat marchant devant les ruines d’immeubles du Lower East Side avec un canevas ? J’en doute. De plus, il semble y avoir une certaine confusion entre le No Wave, le punk et le new wave, trois courants distincts qui ont eu lieu à peu près à la même époque. Le film attribue aussi le DIY —Do It Yourself— au mouvement No Wave, alors que c’est plutôt l’héritage du punk. Le DIY est cette façon que les gens ont eu de faire les choses eux-mêmes avec des moyens modestes et/ou inexistants.

Le film englobe dans le No Wave une partie de la culture hip hop, notamment en abordant l’extraordinaire film Wild Style, premier documentaire sur cette scène mythique. Ça ajoute à la confusion des genres mais ça reflète aussi la grande variété créative de l’époque où punk, new wave et rap n’étaient pas aussi éloignés qu’on pourrait le penser. Et ça, c’est une autre force du document.

On y apprend que sa prose n’a pas été respectée par Malcolm Cowley, son éditeur chez Viking Press : «… il a arraché bien des trucs sur SUR LA ROUTE sans ma permission et sans même que je voie les épreuves ! » (p. 83) Plus loin : « Il a fallu que j’aille à N.Y. l’autre jour comme un fou furieux  pour contester l’idée merdique de Viking de faire quelque chose comme 4000 corrections sur Clochards célestes » (p. 155) « Les Clochards célestes ont été détruits par Viking Press, ils ont placé 3500 virgules & corrections dans ma prose qui swingue, à la Mark Twain, je leur refuse donc le droit de me publier.. » (p. 156)

En plus de l’alcool, Kerouac consommait aussi des drogues : « … je vais prendre de la mescaline une fois par mois et je suis impatient d’essayer ensuite de l’acide lysurgique [ … ] si tout le monde prenait de la mescaline ne serait-ce qu’une fois il règnerait une paix éternelle. »  (p. 250) Il écrit même une lettre à son éditeur Donald Allen pour s’en procurer : « … Comme vous le savez, j’ai écrit Les Souterrains à la benzédrine, Anges de la Désolation à la benzédrine et une bonne partie de Visions de Cody [ … ] Tout ce que je veux, ce sont les bons vieux comprimés de phénobarbital pour compenser l’effet déprimant de la benzédrine 8 heures après l’ingestion (après 8 heures d’écriture). J’aimerais savoir si vous connaissez un docteur qui me ferait une bonne ordonnance pour ces 2 articles afin que je puisse écrire mon nouveau roman… » (p. 268)

Il se plaint souvent des problèmes liés à la célébrité : « Trop d’adulation est pire que la non-reconnaissance… » (p. 227) Et exprime son besoin de solitude : « …l’autre soir, j’ai su que j’allais droit vers une vraie, ma première, dépression nerveuse si je ne m’éloignais pas des gens pendant au moins deux mois » (p. 289) « Je veux continuer à être un clochard : c’est le secret de ma joie et sans ma joie il n’y a rien à écrire. » (p. 305)

Il aborde son processus créatif : « … écrire un roman peut ne pendre que quelques semaines mais penser un roman prend des années et des années à rester assis tranquillement dans un fauteuil. » (p. 305) « La sensation est l’essence de l’intellect, parce que sans la sensation rien ne peut être CONNU, nom de Dieu !… Alors tu écris comme tu SENS » (p. 378)

Kerouac se distancie aussi des autres poètes beat : « JE N’AI RIEN À FAIRE AVEC LA POLITIQUE particulièrement la gauche côte Ouest » (p. 129) « Je viens de refuser 3000$ parce que je ne voulais pas figurer dans le même film que Ginsberg, s’il vous plait n’identifiez plus ma biographie à la sienne ou celle de Corso. Ils sont devenus tous les deux des fanatiques politiques, tous les eux ont commencé à me vilipender parce que je ne partage pas leurs opinions politiques (activement s’entend), et eux et leurs amis me rendent malades. » (p. 419)

À la fin de sa vie, Kerouac est amer : « …tout le monde est devenu tellement méchant, tellement sinistre, tellement hypocrite, je n’arrive pas à le croire. Alors je me tourne vers la boisson comme un fou éperdu. Pourquoi quelqu’un ne propose-t-il pas une banderole disant « Nous voulons de la compassion! » « Nous Voulons Que Tout Le Monde Cesse D’Être Sinistre ! » (p. 411)

Au-delà de la frustration et de l’amertume, on y trouve plusieurs fabuleux passages surtout dans ses lettres à ses amis beat. D’où l’intérêt du livre. Ses lettres étaient aussi une sorte de premier jet. Plusieurs thèmes qu’il aborde seront repris dans des ouvrages, notamment ses voyages. L’argent et la célébrité n’ont pas vraiment bien servi Kerouac qui déménage très souvent comme un vagabond devenu riche mais qui ne trouve jamais vraiment sa place sauf dans l’écriture.

Le premier extrait est tiré du roman The Jugheads. Une famille tente de quitter le Texas et de s’établir ailleurs aux É-U mais partout où elle va, il lui tombe une tuile sur la tête et elle finit par revenir au Texas. Le tout raconté avec ironie et une naiveté enfantine.

Dans Halloween, un type est engagé pour vendre des citrouilles mais l’affaire tourne mal en raison de l’évident manque du sens des affaires du patron. L’histoire se répète avec des cordes de bois de chauffage, trop chères encore une fois. Une histoire savoureuse et bien racontée.

Dans Kansas, deux types travaillent sur des voix ferrées avec des mexicains qui se tapent le gros du boulot. Une nuit, alors qu’ils sont en manque de divertissement, ils se saoulent dans un bar et les mexicians finissent par déboîter le motel où tout le monde crèche, ce qui leur vaut l’expulsion.

Sous la ligne raconte l’histoire d’un type qui travaille aux décors dans le cinéma. Il côtoie plusieurs vedettes connues et l’une d’elles fait la vie dure à l’équipe technique. Le récit est bien construit et révélateur de la hiérarchie, des égos surdimentionnés et des luttes intestines qui caractérisent ce milieu pour le moins rocambolesque.

L’extrait de Man and Beast est particulièrement comique. Une hippie ouvre un sanctuaire pour accueillir et sauver des animaux domestiques de la mort. L’insouciance avec laquelle les gens veulent se débarrasser de leur chat ou leur chien est révélatrice de ce que l’auteur tente de communiquer à travers son cynisme et c’est l’endroit du livre où ça fonctionne le mieux. Toute cette cruauté envers les animaux est presque surréaliste et dénote l’irresponsabilité des humains envers eux. Avec un humour digne de mention, l’auteur jette un regard de dégoût sur l’espèce humaine.

Dans Professor, un prof livre à ses étudiants une vision lucide de l’impérialisme américain et déplore l’ignorance de la nouvelle génération qui n’en a que pour les ragots au sujet des célébrités et les marques de commerce annoncées à la télé. En manque de sexe pour des raisons compliquées, il est attiré par certaines de ses étudiantes. Un jour qu’il est au salon de massage, il est reçu par son étudiante la plus sexy. Il s’en suit une conversation surréaliste au sujet des devoirs de classe, ce qui n’est pas sans rappeler un célèbre dialogue du film Le Déclin de l’empire américain.

L’écriture de J.R. Helton est ressentie et profondément nord-américaine. C’est-à-dire qu’elle évite à la fois le flafla inutile et qu’elle est centrée sur les émotions. Helton possède un talent pour la psychologie et son écriture confère réalisme et vie à ses personnages. À part certains dialogues boîteux, c’est une pure réussite. Comme ce livre est une compilation d’extraits de textes, on ne peut qu’attendre avec impatience leur version intégrale. Au Texas tu serais déjà mort est un des meilleurs livres publiés chez 13^e Note.

Les personnages du livre sont attachants et crédibles. Il y a d’abord David Kaufman, le patron de la boîte, un gigantesque homo qui passera l’éponge plus d’une fois sur les frasques de Bruno. Il y a aussi Portia, la réceptionniste aux nichons en silicone et à l’accent british qui possède le tact nécessaire pour gérer ce genre d’entreprise impossible. Il y a aussi Ronny Stedman, ce producteur d’Hollywood au caractère irrascible qui finit par s’intéresser aux nouvelles de Bruno. Et J.C. Smart, une distinguée retraitée qui se promène partout avec son chat et dont la nièce, Che Che, est un top-modèle pourchassé par les paparazzis.

Un des aspects les plus réussis du livre est le portrait que Fante dresse d’Hollywood. À travers les aventures de ces personnages qui doivent abandonner leur authenticité pour arriver à faire leur place dans cette ville de pacotille, Fante démontre comment la machine à fabriquer le rêve américain détruit les humains qui la fréquentent. C’est d’ailleurs ce qui est arrivé à son père —John Fante— qui prostitua son talent à Hollywood alors qu’il avait le gabari pour être l’un des meilleurs écrivains des É-U.

L’écriture de Fante est remarquable par sa sincérité et son ton juste. Il s’agit bien sûr d’un livre trash. Mais c’est fait avec un tel équilibre que ça lui confère presque le statu de classique dans le genre. Fante n’évite pas les émotions comme tant d’autres auteurs qui se veulent décadents et qui, à force de vouloir nous en mettre plein la vue, finissent au contraire par nous ennuyer. Tout au long du livre, entre les trucs bizarres et/ou dégueux, se trouvent des moments où Bruno peut exprimer son désarroi et son impuissance face à sa condition de paumé.

SaFranko m’avait émerveillé avec Putain d’Olivia et m’avait laissé sur ma faim avec Confessions d’un loser. J’attendais donc avec impatience la sortie de son prochain bouquin.

Dans Dieu bénisse l’Amérique, Max Zajack raconte son enfance et son adolescence à Trenton, une banlieue white trash du New Jersey. Entre les aberrations d’une éducation religieuse catholique et les boulots minables qu’il doit se farcir pour aider financièrement sa famille paumée, le petit Max découvre la vie dans toute sa cruauté. Mais son regard n’est jamais naïf et on finit par se demander s’il a réellement pu avoir une enfance aussi austère, une enfance où il n’y ni joie, ni rire ni émerveillement.

Bukowski a lui aussi consacré un bouquin entier à sa jeunesse : Souvenir d’un pas grand chose. Ce livre lui a pris beaucoup de temps à écrire car cela réanimait des souvenirs d’une enfance particulièrement pénible. Mais même dans cette souffrance, Bukowski laissait l’enfant s’exprimer et s’émerveiller, ce qui créait un fabuleux contraste entre les découvertes inhérentes à la jeunesse et les dures leçons de la vie. SaFranko, lui, reste dans le malaise sans qu’on puisse vraiment y plonger en raisons d’une écriture sèche et austère. SaFranko est LOIN de Bukowski lorsqu’il s’agit d’évoquer des émotions.

Dieu bénisse l’Amérique n’est pas un mauvais livre. Je dirais même qu’il est intéressant et drôle par moment. Mais c’est un livre froid qui manque cruellement d’émotion. Avec la palettes d’histoires et d’anecdotes abracadabrantes, on se serait attentu à davantage.

Anges de la Désolation

La première partie se passe sur Desolation peak où il passe deux mois comme garde forestier à surveiller les incendies. Comme il n’a pas grand chose à faire, ça ressemble un peu à une retraite de méditation. En parfaite communion avec les éléments, Kerouac s’extasie devant les «créatures de Dieu». Ce moment sur Desolation peak a déjà fait l’objet d’un récit à la fin du livre Les clochards célestes et aussi d’une nouvelle dans Le vagabond solitaire. Alors ce n’est pas le passage le plus captivant du livre. C’est même un peu lassant. Et ça dure un peu plus de cent pages (sur cinq cent-vingt)… Mais ce passage est essentiel pour comprendre la nature contemplative de Kerouac et son besoin de solitude.

Le livre démarre vraiment lorsqu’il part de Desolation peak et arrive à Seattle, puis à San Francisco où il est plongé dans l’effervescence beat. Avec Ginsberg (Irwin dans le livre), Cassady (Cody) et une poignée d’autres, il passe un moment à vivre de façon éclatée : boîte de jazz, alcool, poésie déjantée… Il se rend ensuite au Mexique rejoindre un de ses potes junkie. Kerouac vit dans une chambre sur le toit d’une maison et passe ses journées à écrire. De temps en temps, il va chercher de la came pour son ami toxicomanne qui est aussi un érudit en histoire. Loin de la scène beat, Kerouac retrouve la quiétude dont il a besoin pour s’émerveiller et écrire. Mais cette tranquilité est bientôt rompue par Ginsberg qui arrive avec les autres. L’énergie extravertie de Ginsberg est peu compatible avec le tempérament zen de Kerouac qui a besoin de calme et surtout de distance pour arriver à laisser sa conscience s’imprégner de l’instant. Sous la pression de Ginsberg, il quitte le Mexique avec les autres et fait le trajet en voiture jusqu’à New York où il retombe dans la scène beat. De partys en beuveries, Kerouac finit par rencontrer une amie de Ginsberg, une juive ayant des prétentions littéraires. Il aménage chez elle mais cette vie routinière lui pèse et il s’embarque sur un cargo qui part pour l’Afrique. Un des moments intéressants est sa rencontre à Tanger avec Burroughs (Hubbard dans le livre). Pour une fois, Burroughs est en forme. Kerouac se laisse entièrement absorber par ce qu’il appelle «l’instant», les odeurs et la nuit Africaine, jusqu’à ce que Ginsberg et sa bande le rejoingnent à nouveau. Le party reprend mais au milieu des festivités, Kerouac semble avoir perdu ses illusions. Il laisse ses amis et, après une courte traversée de la France et un séjour à Londres où il va quémander de l’argent à son éditeur, il retourne en Amérique et entreprend la traversée du continent en autobus avec sa «mémère» (sa mère). Ils arrivent en Californie mais sitôt arrivée, sa mère s’ennuie et souhaite retourner vivre en Floride chez sa fille.

Au-delà de l’aventure et des voyages qui servent de prétexte à l’écriture, il y a la voix de Kerouac. Plus on avance dans le livre, plus on a l’impression d’être avec lui. Il nous parle de son besoin de solitude, de sa quête existencielle et de sa désillusion vis-à-vis le milieu beat. Kerouac s’avère profondément humain et exprime ouvertement les doutes qui assaillent le jeune écrivain. Il n’a pas de réponse à nous donner mais il pose beaucoup de questions. Et c’est un humain vulnérable et à fleur de peau qui laisse couler ses émotions sur la page. Au fond Kerouac pose la question suivante : Qu’est-ce qu’un écrivain? Tout au long du livre, ce sous-thème refait surface. Et l’on finit par comprendre que sa façon étrange de vivre, de ne jamais s’attacher nul part ni à quiconque et de vivre dans l’instant présent… c’est ça pour lui l’aspect le plus important de l’écrivain. Vivre au présent et dans les éléments —quitte à recevoir des coups sur la gueule— pour que la prose sente le vécu.

Anges de la Désolation est un livre moins spectaculaire que ses romans plus connus mais il est à mon avis plus révélateur de l’intériorité de Kerouac. Ce n’est pas un must mais c’est un livre fascinant pour quiconque veut comprendre celui qui fut la tête d’affiche de la génération beat.

Dans Le vagabond solitaire, Kerouac vit en marge de la société et suit son petit bonhomme de chemin à l’abri du brouhaha médiatique qui suit la sortie de Sur la route. Le livre est divisé en huit récits qui ont pour thème l’errance sous une forme ou l’autre et qui sont agencés de façon à simuler un roman.

Le fellah du Mexique est le récit halluciné d’une escapade au Mexique, pays qui vit loin de l’ordre établi et de la façon américaine de faire les choses. La description de la corrida est particulièrement prenante et pleine de compassion pour le taureau —et symboliquement contre le système établi. Le sang, la religion et la mort s’y côtoient dans un remarquable tourbillon verbal.

Dans Le monde des trains, Kerouac nous raconte son boulot de serre-frein à 600$ par mois alors qu’il conserve un mode de vie austère et se contente de manger dans les cafétérias publiques, continue de fréquenter des clochards et dort au fond de wagons sales lorsqu’il est loin de chez lui. Kerouac est entré dans le système mais pas son âme.

Dans Les limons des cuisines marines, il quitte les chemins de fer et raconte les aléas de sa vie de cuisinier sur un navire. Kerouac tolère mal de repartir au bas de l’échelle et la discipline qui règne. Il croyait assumer son destin de vagabond en s’embarquant sur un navire mais réalise qu’il est plutôt à la merci de personnages caractériels et finit par les quitter lors d’une escale.

Avec ses Scènes new yorkaises, on plonge dans l’univers beat. À l’image d’un guide, Kerouac nous fait visiter le New York underground des années 1950. Les cafétérias remplies de paumés, le kiosque à journaux, la librairie fréquentée par les obsédés sexuels et Chez Bickford —le restaurant qui sert de point de chute à Herbert Hunkey, à une bande de gangsters et à toute l’incroyable faune de Times Square.

Un des récits les plus intéressants est Grand voyage en Europe qui commence sur un cargo effectuant la traversée de l’Atlantique et qui le mène à Tanger où il côtoie William S. Burroughs. Le passage où il traverse la France et découvre Paris, «la plus belle ville du monde», est particulièrement touchant et son arrivée en Angleterre est épique.

Dans Seul au sommet d’une montagne, il relate en détail les 63 jours qu’il a passés à Desolation Peak comme garde-forestier. Cette nouvelle à teneur initiatique avait déjà fait l’objet d’un récit à la toute fin des Clochards célestes mais le récit est suffisamment bonifié pour le rendre à nouveau intéressant.

Dans le dernier récit, Le vagabond américain en voie de disparition, Kerouac défend la vie de vagabond et il en donne une définition très personnelle, assimilant la quête solitaire à plusieurs personnages illustres dont Benjamin Franklin, Walt Whitman, Bouddha, Beethoven, Einstein et Jésus! Kerouac explique que le vagabond n’est plus toléré dans la société et qu’il est désormais traqué par la police. Alors qu’il raconte comment la vie du vagabond est de plus en plus difficile, on a l’impression que Kerouac parle de sa propre existence.

Au-delà de la prose extraordinaire de Kerouac, l’intérêt de ces récits est leur point de vue. À travers ses tribulations, il exprime une vision critique de l’Amérique. Et même lorsque le récit adopte une structure plus conventionnelle, il intègre toujours une phrase au milieu de nul part qui nous rappelle son regard ironique. Kerouac pose sur les gens et les choses un regard qui nous oblige à nous interroger, ce qui est le propre d’une grande oeuvre. Et il le fait avec suffisamment de brio dans ce livre pour qu’il vaille la peine d’être lu.

Kraftwerk est sans contredit le groupe le plus précurseur de la musique électronique. Ces pionniers étaient actifs bien avant que les appellations new wave, techno ou électro pop ne voient le jour.

Computer World est un disque extraordinaire d’abord parce qu’il est bon au complet. À l’époque, ce sont davantage les chansons du côté A qui jouent, soit Pocket Calculator, Numbers et Computer World qui furent toutes des succès de piste de danse.

La seconde raison qui fait de cet album un monument est son aspect visionnaire. En effet, le thème des chansons repose entièrement sur l’ordinateur, et ce, des années avant que cette machine n’envahisse chaque sphères de nos vies. À l’heure où les gens se rencontrent sur internet, comment ne pas sourire en entendant la naïveté de Computer Love qui ouvre le côté B du disque?

Mais l’aspect le plus révolutionnaire de cet album se trouve dans l’esthétique des pièces qui ne jouèrent pas à l’époque : Homecomputer et It’s More Fun to Compute, deux pièces fabuleuses qui préfigurent le techno bien avant que ce terme soit utilisé. D’ailleurs la plupart des artisans de la scène techno de Détroit reconnaissent avoir été influencés par ce disque.

Avec l’extraordinaire essor de la musique électronique depuis les années 1980, il est impossible de saisir l’impact qu’a eu cet album lors de sa sortie. Beaucoup de groupes arrivent aujourd’hui à sonner aussi bien. Mais à l’époque, Computer World avait un son tout à fait unique. À mon avis, il s’agit du meilleur album pop de musique électronique ever.